Deseos

Trópico, para qué me diste
las manos llenas de color.
Todo lo que yo toque
se llenará de Sol.
En las tardes sutiles de otras tierras
pasaré con mis ruidos de vidrio tornasol.
Déjame un solo instante
dejar de ser grito y color.
Déjame un solo instante
cambiar de clima el corazón,
beber la penumbra de una cosa desierta,
inclinarme en silencio sobre un remoto balcón,
ahondarme en el manto de pliegues finos,
dispersarme en la orilla de una suave devoción,
acariciar dulcemente las cabelleras lacias
y escribir con un lápiz muy fino mi meditación.
¡Oh, dejar de ser un solo instante
el ayudante de campo del Sol!
¡Trópico, para qué me diste
las manos llenas de color!

Carlos Pellicer

Fotos Curiosas

Anuncio de Atabrine, medicina anti malaria, en Papua, Nueva Guinea, durante la Segunda Guerra Mundial.

Frases de Cine: Platoon

"Cuando pienso en lo que pasó allí, creo que no luchábamos contra el enemigo. Luchábamos contra nosotros mismos. El enemigo estaba dentro de nosotros. Ahora la guerra ya ha terminado para mí, pero siempre formará parte de mi vida".

Charlie Sheen cómo Chris, en PLATOON

Cine para pensar: Cine Comprometido

Hace tiempo escribí varios artículos para un boletín de laicos con trasfondo religioso. Eran análisis de películas vistos desde el prisma del catolicismo. Un cine para pensar. Los voy a recopilar en una nueva sección, para no perderlos, y porque me apetece compartirlos con todos vosotros. 

Empieza los miércoles "Cine para Pensar".

Roger Boussinot dio la definición más concreta sobre cual es la esencia del arte cinematográfico: “El cine es el arte de proyectar al espectador sobre la pantalla sin hacerle abandonar su asiento". Que los espectadores se sintieran provocados, invitados, a proyectar en sus vidas cotidianas los mensajes que transmiten los personajes de las películas, sería la esencia del cine. Las películas son “realidades inacabadas”, obras de arte que deben ser interiorizadas y culminadas de manera personal por cada uno de los espectadores.

El espectador nunca está inmune ante los mensajes y modos de vida que comunican las películas, sino que se identifica con esos mensajes o los rechaza.

En este sentido el cine es un medio fundamental de comunicación en nuestro tiempo. El cine es lenguaje en imágenes. Su objetivo es discutido: unos afirman que sólo debe entretener, sin embargo, el cine es un arte que ha demostrado su compromiso con la vida y con la libertad a lo largo de más de un siglo de existencia. 

Acerca a nuestras pantallas historias que nos hacen pensar, reaccionar, protestar y comprometernos con nuestras propias realidades. 

Historias como la de La señora Miniver, esa mujer que demuestra cómo todo ser humano amante de la vida y de la libertad sabe estar a la altura de los desafíos de la historia, porque la historia es él mismo.

Uno de los mejores momentos que se puede vivir en el cine es ese en el que un hombre bueno y justo se levanta y desenmascara la falsedad, clama contra la injusticia. Es Gary Cooper en Juan Nadie, o James Stewart en Caballero sin espada, o Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del cuco, Marlon Brando en La ley del silencio, o Jack Lemmon en Desaparecido, o Al Pacino en Justicia para todos, o Daniel Day-Lewis en En el nombre del padre, o Russell Crowe en Gladiator.

El cine, desde John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance o El hombre tranquilo, hasta Frank Darabont en Cadena Perpetua o La milla verde, cuenta historias de mujeres y de hombres, y la inclinación natural de las mujeres y de los hombres es decir la verdad. Una verdad que puede hacer daño, pero que es preciso gritar. Los seres humanos no hemos sido llamados al martirio, sino a la lealtad y a la coherencia. Como evidencia Fred Zinnemann en Un hombre para la eternidad, la identidad entre vida, conciencia y fidelidad cristiana es un ejercicio de coherencia perenne.

El sentido del compromiso, las ideas, pueden cambiar el mundo. Es esta una idea muy repetida en el cine, cuyo paradigma posiblemente sea Matar un ruiseñor, de Frank Mulligan. El genial trabajo de Gregory Peck, como abogado que asume la defensa de un negro acusado de la violación y asesinato de una joven blanca en el profundo sur durante la gran depresión americana, demuestra cómo el afán de justicia y la conciencia comunitaria de un hombre, de un solo hombre, puede transformar el mundo.

El hombre participa activamente de cuanto es del mundo, afecta al mundo, compromete al mundo, con el objetivo de convertirlo en un lugar más libre y más justo. Un compromiso que el cine nos muestra sin cesar: Raúl Juliá en Romero, el padre Oleg, en Conspiración para matar a un cura; William Wallace en Braveheart, Manuel el pescador en Capitanes intrépidos, el padre Flanagan de Forja de hombres, el Gary Cooper de Sólo ante el peligro, Daniel Day-Lewis en El crisol, la patrulla que busca al menor de los hermanos Ryan en las horas siguientes al desembarco en Normandía, el personaje de Patrick Swayze en La ciudad de la alegría, o incluso Frodo, el hobbit de El Señor de los Anillos. 

Se podría decir que hay dos estilos de cine comprometido: el de Ken Loach, Spike Lee, John Sayles o Costagravas, más directo, que denuncian a voces situaciones injustas y hacen de ellas su argumento único; y aquellos que utilizando el arte cinematográfico nos cuentan una historia, nos hacen pasar un buen rato, y aprovechan para criticar, denunciar, o alabar situaciones de la vida. De este último tipo habría que nombrar sin duda a Scorsese y su tratamiento de la violencia en sus películas, y a hombres tan comprometidos con su cine como son John Ford, Frank Capra, Billy Wilder, Howard Hawks, Elia Kazan, Orson Welles, Coppola, Spielberg, Sam Mendes, Tim Burton, Peter Weir, Frank Darabont, Woody Allen, los hermanos Coen... 

Full Monty, American Beauty, Billy Elliot, Chocolat, Cadena Perpetua, Taxi Driver, Huracán Carter, son películas muy entretenidas, hechas para un público mayoritario, y sin embargo contienen una gran carga de denuncia social. 

Sin duda existen formas de vida que muestran la opción incomparable por la verdad, y el cine nos las muestra. Una de ellas se suscita cuando contemplamos a quien sufre, siempre injustamente. La milla verde es, posiblemente, una de las películas que más profundamente ha explorado en esas resonancias del alma humana. La relación entre el guardián y el condenado representa una de las más acabadas expresiones de ese cine que estamos deseando contemplar. Cine desde las entrañas. Cine comprometido. Cine para creer.

“Te pido, Señor, que guardes al cine de sí mismo: del peligroso narcisismo que puede convertirlo en arma para atontar multitudes. Te pido que lo hagas sencillo y humilde, eficaz y señor, independiente y consciente de su responsabilidad.” (José María Pérez Lozano)

Gran parte de la información de este artículo está recopilada de los libros “Cine para creer”, de G. Villapalos y E. San Miguel, y “Aprender a ver cine”, de J.F. González.

Mis clásicos favoritos: Sucedió una noche

Peter Warnerc (Clark Gable) es un periodista bohemio y desaliñado que conoce de modo fortuito en la carretera a la joven millonaria Ellie Andrews (Claudette Colbert), la cual trata de encontrarse con su marido, con quien se ha casado a pesar de las reticencias de su familia.

Comienza un juego entre los recién conocidos en el que se vislumbra la atracción mutua y el tira y afloja tan bien llevado que divierte y atrapa a partes iguales al espectador.

Capra consiguió burlar a la censura de la época al colocar una cortina en la habitación que comparten los protagonistas, ya que estaba mal visto que una pareja durmiese junta si no estaban casados. La aparición de Gable sin camiseta interior resulta muy anecdótico ya que provocaría un descenso importante en la venta de camisetas en los Estados Unidos.

Con un ritmo muy dinámico "Sucedió una noche" resulta un título muy divertido y, aunque contemplado hoy en dia tiene un desenlace muy previsible, debido fundamentalmente a la cantidad de "sucesoras" que ha tenido, en su momento supuso un éxito arrollador de crítica y público, ya que, si no es la primera, es seguramente una de las primeras comedias románticas de la historia del cine, redonda en todos los aspectos,y muy recomendable sin duda alguna para todos los adictos a este tipo de comedias, otra joya más en el haber del genio del sentimiento, el gran Frank Capra.

Los actores protagonistas hacen un trabajo realmente brillante estableciendo entre ellos una deliciosa química. Clark Gable y Claudette Colbert obtuvieron sendos Oscars en sus respectivos roles, consiguiendo la película también las estatuillas al mejor director, al mejor guión adaptado y a la mejor película. Fue así la primera película en ganar los cinco principales premios de la Academia. Tal logro sería igualado en 1975 por "Alguien voló sobre el nido del cuco" y por "El silencio de los corderos" en 1991.

En 1993, fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos, por la National Film Registry de la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa".

"Es uno de los títulos fundamentales de la comedia de los años 30. Considerada habitualmente la primera 'screwball comedy', es posible que la rapidez y perfección de sus herederas, las obras maestras de Hawks, Cukor, Sturges o la Cava, sea la causa de que, a ojos del espectador actual, su ritmo resulte algo lento. Con todo, se trata de una magnífica película sobre dos personajes condenados a entenderse. Las chispas que despiden los encuentros entre el simpático sinvergüenza Clark Gable y la encantadoramente mimada Claudette Colbert se convierten en inevitables sonrisas en la cara del espectador. Disfrútela." 

Daniel Andreas: FILMAFFINITY

Bruce Springsteen tendrá un museo on line

El próximo mes de junio abrirá sus puertas BlindedByTheLight.com, un museo online de Bruce Springsteen que mostrará de partida unos 300 objetos relacionados con la vida y obra del rockero estadounidense.Letras de canciones escritas a mano, pósters de conciertos, postales y demás memorabilia formará parte de este museo, que espera ampliar su colección en los meses siguientes, tal y como avanza Rolling Stone.

En el perfil del museo en Facebook ya se pueden ver imágenes de artículos como los mencionados, así como un carnet de conducir, una foto de pasaporte y un single de vinilo convenientemente firmado. El fundador del «museo» es Michael Crane, un reconocido coleccionista y experto en la trayectoria de Springsteen, que incluso en el pasado ha contribuido en exposiciones en el Rock and Roll Hall of Fame. La intención de Crane es hacer concursos cada seis meses con algunos artículos de su colección.

Domingo...

Más seguridad en tu Facebook

Desde la empresa española de seguridad en la Red, Panda Security, han establecido cinco simples trucos con los que poder mejorar nuestra privacidad en la red social FACEBOOK.

Mejorar la contraseña

Empezando por lo básico, lo primero es aumentar la seguridad de la contraseña. No vale ni el nombre propio ni fechas de cumpleaños ni mucho menos «passwords» del tipo «facebook1» o similares. Para conseguir que una contraseña sea realmente segura, hay que alternar letras (tanto en minúsculas como en mayúsculas), además de algún carácter especial como pueden ser un asterisco o el símbolo de alguna moneda.

Cuidado de las «apps» maliciosas

También se recomienda tener cuidado con la publicidad dentro de Facebook y desconfiar de todo lo que suene demasiado bonito para ser cierto ya que podría tratarse de «apps» maliciosas. Por ejemplo, hace unos meses, los usuarios de Android recibían «publicaciones sugeridas» sobre utilidades de WhatsApp que, cuando se accedía a ellas, se descargaba una aplicación gratuita que en realidad era un troyano que suscribía a esos usuarios a un servicio de SMS Premimum.

Controlar el acceso

El tercero de los trucos para mejorar la privacidad en Facebook es controlar las sesiones activas. Hoy en día se puede acceder a las redes sociales desde cualquier terminal con acceso a Internet y, en el caso de Facebook, es posible tener la misma sesión abierta en varios dispositivos a la vez. En Panda recomiendan cerrar la sesión siempre que se utilice un PC público, si no, en el mejor de los casos serían nuestros amigos los que podrían «trolearnos» publicando mensajes en nuestro muro, pero en realidad cualquier persona que utilizara ese ordenador, tendría acceso a nuestra cuenta y datos.

Desconfiar

El cuarto consejo es desconfiar y no hacer caso a ofertas y eventos desconocidos. Sobre todo a los chollos que se presentan en Facebook mediante un evento, como fue el caso del evento supuestamente organizado por Zara en el que se sorteaba una tarjeta regalo por valor de 500 euros y que resultó ser una estafa en la que se suscribía a los usuarios a servicios de SMS Premium. Por último, los responsables de seguridad de Panda recomiendan ajustar la privacidad de la cuenta para que sólo los contactos en los que confiamos reciban ciertos «posts» como el lugar donde estamos cenando, de qué equipo somos o dónde vivimos.

Fotos Curiosas

1890: Inglaterra, piernas artificiales.

Frases de Cine: Arma Letal

Martin- ¿Quieres que conduzca yo?
Roger- Noooo. Se supone que eres un suicida, ¿recuerdas?
Martin- Cualquiera que conduzca en esta ciudad es un suicida!

Mel Gibson cómo Martin Riggs y Danny Glover cómo Roger Murtaugh, en ARMA LETAL

¿Que pasó con los protagonistas de Friends?

El 6 de mayo de 2004 se vaciaba el apartamento de Greenwich Village donde vivían Monica y Chandler. Aquella escena marcaba el fin de Friends. Terminaba una etapa que duró 10 años (desde el 22 de septiembre de 1994).

Pero, ¿y ahora? ¿Qué ha pasado con cada uno de los seis protagonistas de la serie?

Así llegaron a la serie, así la terminaron y así están ahora.

Jennifer Aniston (Rachel Green)

Era la actriz más envidiada de Hollywood cuando terminó Friends, pero un año después todo terminaría. Aniston se había casado en 2000 con Brad Pitt pero su matrimonio acabó en 2005 cuando Angelina Jolie se cruzó en el camino. El mundo se dividió entonces en Team Aniston y Team Jolie. El público (especialmente el femenino) empatizó con la actriz que después de varios cambios de novio ha logrado la estabilidad junto a Justin Theroux. Llevan juntos desde 2011 y están comprometidos aunque todavía no hay fecha de boda. 

Su carrera (igual que su vida) ha sido la más mediática. Aniston se ha labrado un camino como actriz de comedia y en este tiempo ha participado en casi 20 películas. En una de las más recientes, Somos los Miller (2013), protagonizó un comentado streptease que sacó a la luz su espectacular figura. La actriz también ha participado en un capítulo de Cougar Town y otro de 30 Rock. Su trabajo en esta última le valió un Emmy a la Mejor Actriz Invitada. 

Muchos han sido los que señalan a Jennifer Aniston como la responsable de que finalmente no vaya a haber una película de Friends, sin embargo eso no es lo que dice la actriz. Ella misma señalaba en febrero su deseo de volver a reunirse: "Cogería a los cinco y continuaría rodando en algún punto en donde dejamos la serie". Porque los diez años de Friends fueron los mejores de su vida: "Me encantó lo que hice. El trabajo era entonces para mi nada más que diversión y pura alegría. Sería genial reaparecer en la pequeña pantalla con un proyecto similar". No es de extrañar porque este papel la convirtió en una de las actrices mejor pagadas de Hollywood. Llegó a cobrar un millón de euros por capítulo.

Matthew Perry (Chandler Bing)

Sigue soltero y sin compromiso. El actor ha tenido distintas relaciones pero ninguna se ha llegado a consolidar. Después de romper con la estudiante de moda Rachel Dunn, estuvo con la también actriz Lizzy Caplan, de quien se rumorea que se separó porque él no quería casarse.

Tampoco laboralmente ha conseguido la estabilidad. Perry ha participado en diferentes series pero ninguna se ha logrado consolidar. Ni siquiera su sitcom Go On logró superar su primer año de vida. 

Todos los seguidores de Friends fueron testigos de las adicciones de Perry a través de sus constantes cambios de imagen (y peso). Comenzaron en 1997 cuando sufrió un accidente con la moto que le llevaría a engancharse a las pastillas. En el 2000 tuvo que ser ingresado en el hospital por una pancreatitis derivada del consumo excesivo de alcohol lo que le llevaría a entrar en rehabilitación en 2001. Diez años después volvería a ingresar. El actor aclaró que no fue por una recaída sino porque afianzar su sobriedad.

Courtney Cox (Monica Geller)

Estaba rodando Friends cuando contrajo matrimonio con el también actor David Arquette, a quien conoció en 1996 durante el rodaje de Scream y con quien tiene una hija de 10 años, Coco Riley Arquette. Fueron 13 años de relación que terminaron en 2010 porque, según explicaría el propio Arquette, "Courteney estaba harta de ejercer de madre". El actor también aseguró que hacía cuatro meses que no hacían el amor y que tenían un matrimonio abierto por lo que podía acostarse con otra (Jasmine Walt). Desde 2014 Cox sale con el productor musical Johnny McDaid. Distintos medios apuntan que podrían estar comprometidos.

Tras el fin de Friends llegaría también el fin de la saga Scream. Cox rodó la última película en 2011. Fue uno de sus trabajos más importantes en el cine porque Cox se ha centrado más en la tele. Trabajó en la serie Scrubs y desde 2009 protagoniza Cougar Town, donde hizo un cameo su amiga Jennifer Aniston. Ella también ha participado en Go on, la serie de Matthew Perry.

Íntima de Jennifer Aniston: Ambas actrices han trasladado a su vida real la amistad que les unía en la serie. Aniston, madrina de su hija Coco, decía recientemente que Cox ha sido uno de sus grandes apoyos. Sus declaraciones servían para negar los rumores de crisis que se dispararon en 2011.

Matt LeBlanc (Joey Tribbiani)

Cuando terminó de rodar Friends era un hombre casado con la exmodelo Melissa McKnight y padre de un niña, Marina (2004). Hoy está separado y mantiene desde 2006, año de la ruptura, con la actriz Andrea Anders, su compañera en el spinoff de Friends, Joey. 

Tras el fin de Friends, parecía que LeBlanc iba a ser el mejor parado: le habían preparado un spinoff a su personaje. Sin embargo la serie Joey no tuvo el éxito esperado y se canceló después de la segunda temporada. El actor tuvo que esperar varios años para volver a la primera línea. En 2011 recuperó el éxito y la fama con la serie Episodes gracias a la que ganó un Globo de Oro en 2012. 

El fracaso de su serie le sumió en una profunda crisis. LeBlanc contaría años después que se encerró durante cinco años en su casa de Santa Bárbara. “Llegué a comportarme como si fuera un animal en aislamiento. Me negaba a salir”, declaró en la revista Boston Common. No salía de casa ni para cortarse el pelo lo que le llevó a hacerse él mismo un corte a lo mohicano: “Parecía un salvaje que se había encerrado con su hija. Estoy feliz de que los servicios sociales no tengan esa imagen”.

Lisa Kudrow (Phoebe Buffay)

Su currículo sentimental es sin duda el más estable de los personajes de la serie. En 1995 se casó con el ejecutivo de publicidad francés Michel Stern y hoy continúa adelante con su relación. Tienen un solo hijo, Julian Murray, de 14 años. 

La actriz ha centrado su carrera en la televisión donde ha cosechado éxitos en las series The Comeback (2005-2014) y Web Therapy (2011-2014). Esta última, donde interpreta a una terapeuta, ha contado con cameos de otros Friends: Matt LeBlanc, David Schwimmer y Courteney Cox. Tras finalizar ambos trabajos ha vuelto al cine donde recientemente ha estrenado la película Malditos vecinos con Zac Efron. 

Mientras sus otros compañeros han logrado 'deshacerse' de su personaje, Lisa Kudrow se queja de que todavía la identifican con Phoebe. Asegura que la gente piensa que es igual de despistada que ella.

David Schwimmer (Ross Geller)

Se casó en el año 2010 con la fotógrafa británica Zoe Buckman. Tiene un hijo de tres años Cloe (2010) y confiesa que es un padre totalmente entregado. 

Tras su paso por Friends no ha hecho grandes papeles y en el más importante de todos no se le ve. Schwimmer es la voz de Melman, la jirafa deMadagarcar. Sale en cuatro películas y dos cortos. Este año estrena la TV movie Irreversible. 

En 2010 rompió su relación con la que fuera su pareja de ficción. Fue después de que David Letterman le preguntase a Aniston acerca de la prometida de su compañero y ésta dijese que no sabía que se casaba y ni siquiera fue capaz de recordar el nombre de su prometida. La respuesta enfadó tanto a David que decidió romper su amistad.

Mis clásicos favoritos: Matar un ruiseñor

Atticus Finch es un abogado de una pequeña ciudad del estado sureño de Alabama racialmente dividida durante los años de la Gran Depresión. Viudo y con dos hijos a su cargo, acepta ocuparse de la defensa jurídica de un campesino negro acusado de violar a una joven blanca. Muchos de los habitantes de la ciudad tratan de disuadirle para que se retire del caso, pero él está decidido a seguir adelante, a pesar de las consecuencias que su empeño en defender a un negro pueda acarrear para él y su familia.

La historia, narrada desde el punto de vista de una mujer adulta que rememora su infancia y la de su hermano mayor en el profundo sur estadounidense, abarca un periodo temporal de tres años, durante los cuales las vidas de esos dos personajes infantiles experimentan profundos cambios. En el transcurso de la acción, su plácida existencia de niños inocentes y despreocupados que, acompañados por un inseparable amigo veraniego, pasan los días jugando a espiar a un extraño vecino al que consideran una suerte de "hombre del saco" de su ciudad, se irá transformando ante las circunstancias. A través de su padre, abogado, y de la labor que éste ejerce en la ciudad, los niños descubrirán los conflictos raciales tan vigentes en aquella época, y su condición de testigos directos del odio racial cotidiano les hará madurar dolorosamente.

A pesar de que la novela de Harper Lee había sido galardonada con el prestigioso Premio Pulitzer en 1960, inicialmente la productora Universal Pictures no estaba interesada en adquirir los derechos de autor para adaptarla al cine, por considerarla carente de acción, de una historia de amor y de un castigo ejemplar para el villano. Sin embargo, el productor, Alan J. Pakula, mostró su desacuerdo y convenció al director Robert Mulligan, de que se podía hacer una buena película. Mulligan aceptó dirigir y co-producir la cinta y a partir de entonces el proyecto se puso en marcha y comenzó la búsqueda del guionista y del protagonista. Horton Foote también se mostró en un principio reacio a adaptar la novela de Harper Lee, pues se creía incapaz de hacer justicia a la calidad del texto original; finalmente, aceptó. 

La primera opción que barajó la productora para encarnar al personaje de Atticus Finch fue Rock Hudson. Los productores también ofrecieron el papel a James Stewart, quien lo rechazó por temor a que la película, cuyo guion consideraba "demasiado liberal", crearía controversia. Finalmente, Mulligan y Pakula se lo propusieron a Gregory Peck, que ya había sido cuatro veces candidato al Premio Oscar en los años 40. Peck leyó de un tirón la novela de Harper Lee e inmediatamente llamó a Robert Mulligan para aceptar el papel. Dicha elección fue una decisión muy acertada, pues la brillante interpretación de Peck supuso un hito en la dilatada carrera del actor.

Harper Lee se inspiró en su propio padre, Amasa Lee, como modelo para crear el personaje de Atticus, todo un ejemplo de integridad moral, y le puso el apellido de soltera de su madre: Finch. Al igual que Atticus, Amasa Lee había sido abogado y en el año 1923 había defendido ante los tribunales a un hombre negro. 

Los personajes de "Scout" Finch y "Dill" Harry se suponen inspirados, respectivamente, en la niñez de la propia autora, Harper Lee, y del también escritor Truman Capote, amigo suyo de infancia, basándose en los recuerdos de los veranos que ambos compartieron en Monroeville (Alabama), ciudad natal de Lee.

Por último, cabe destacar que la película supuso el debut cinematográfico del célebre actor californiano Robert Duvall, interpretando el papel del misterioso Arthur"Boo" Radley. Duvall, que entonces contaba 31 años de edad, fue seleccionado por recomendación del guionista del filme, quien le había conocido en Nueva York, a mediados de los años 50. Para preparar el personaje de "Boo" Radley, un joven enigmático que ha pasado gran parte de su vida recluido en la casa de sus padres, Duvall pasó seis semanas alejado de la luz solar y se tiñó el pelo de un rubio casi blanco. 

Se encargó al equipo artístico y escenográfico que construyera en los estudios de Universal Pictures en Hollywood su propia versión ideal y amoldada a las necesidades de la película de la ciudad de Maycomb. Los diseñadores artísticos construyeron una ciudad ficticia con más de treinta edificios, con un presupuesto de 225.000 dólares de la época. La sala del tribunal en la que se celebra el juicio recreado en la película es una réplica exacta, del interior de la Corte Penal del Condado de Monroeville. El trabajo de dirección artística y decorados fue premiado con un Oscar en 1963. El edificio original de la Corte Penal aún sigue en pie en Monroeville, si bien en la actualidad ha quedado obsoleto y ya no se utiliza en procesos judiciales reales, sino que ha sido reciclado como museo dedicado a la novela Matar un ruiseñor y a la película homónima, así como a la vida y la labor literaria de Harper Lee y a las personas representadas en sus obras.

La primera escena en la que intervenía Gregory Peck le mostraba regresando a casa desde el despacho de abogado de su personaje mientras sus hijos corrían a recibirle. Harper Lee, que ese día fue invitada al set de rodaje, rompió a llorar tras finalizar la filmación de la escena. "¿Por qué lloras?", le preguntó Peck. Lee explicó que el actor le había recordado a su difunto padre, el modelo en quien se inspiró para crear al personaje de Atticus Finch; Peck, incluso, tenía un poco de barriga redondeada, como la de su padre, según Lee. "Eso no es barriga, Harper", le respondió él, "es una gran actuación".

Premios Obtenidos:

1963 - XX Edición de los Globos de Oro:

Mejor actor de película dramática (Gregory Peck)

Mejor música original de cine (Elmer Bernstein)

Mejor película que promueva el entendimiento internacional

1963 - XXXV Edición de los Premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas:
Mejor actor protagonista (Gregory Peck)
Mejor guion adaptado (Horton Foote)
Mejor dirección artística y escenografía en blanco y negro (Henry Bumstead, Alexander Golitzen y Oliver Emert)

1963 - Premio WGA del Gremio de Escritores de América al mejor guion de película dramática (Horton Foote).

1963 - Premio Especial Gary Cooper de la XVII Edición del Festival Internacional de Cine de Cannes (Robert Mulligan).

1963 - Premio David de Donatello de la Academia del Cine Italiano al mejor actor extranjero (Gregory Peck).

1963 - Golden Laurel (Laurel de Oro) Top General Entertainment en la VI Edición de los Laurel Awards.

Curiosidades:

Mary Badham, fue, en su momento, con diez años de edad, la actriz más joven candidata a un Premio Oscar.

En 2003, el American Film Institute incluyó al personaje de Atticus Finch en el puesto número 1 en una lista de los cincuenta mejores héroes del cine estadounidense de los últimos cien años. El AFI, además, incluyó en 2007 la película Matar a un ruiseñor en el puesto número 25 en una lista de las cien mejores películas estadounidenses del último siglo.

En numerosas ocasiones, el actor Gregory Peck ha manifestado que de los más de cincuenta papeles que interpretó en su dilatada carrera de más de medio siglo, la de Atticus Finch siempre fue la interpretación de la que más orgulloso se sintió. "No pasa un solo día en que no piense en lo afortunado que fui por participar en aquella película", aseguraba el actor.

Cuando Gregory Peck murió, en junio de 2003, el actor Brock Peters, que en la versión cinematográfica de Matar un ruiseñor interpretó a Tom Robinson, el negro acusado de violación, elogió al gran actor fallecido citando unas palabras de Harper Lee, la autora de la novela que dio origen al filme: "Atticus Finch le dio la oportunidad de interpretarse a sí mismo". Y concluyó su elogio con unas emotivas palabras de despedida: "A mi amigo Gregory Peck, a mi amigo Atticus Finch. Vaya con Dios".

La crítica ha dicho:

Una obra maestra que parece haber sido rodada en estado de gracia; una película llena de matices, con mensaje y exquisita sensibilidad sin caer en la sensiblería. El magnífico guión está basado en la única novela -Premio Pulitzer- de Harper Lee, una escritora que curiosamente nunca volvió a publicar. Su adaptación al cine abrazó el alegato contra el racismo y su visión de la infancia con una delicadeza sin igual, al tiempo que sentenciaba el paradigma de lo que es una vida ejemplar en la contenida y maravillosa interpretación de Gregory Peck, la mejor de toda su carrera. Inolvidable. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Las citas más memorables de FRIENDS

Hace 10 años que finalizó FRIENDS. Sí, has leído bien, diez años. Todos nos hacemos viejos!!!!!!

Es una serie que marcó época, tal vez más que ninguna otra en la historia de la televisión, y hay citas o conceptos que crearon estos seis amigos que casi todo el mundo que la seguía incorporó a su vocabulario. Yo por lo menos lo sigo haciendo, hay conceptos de Friends que sigo utilizando. ¿Tú utilizas alguno?

Cómo homenaje a ese décimo aniversario vamos a repasar las citas que yo considero más relevantes.... si recuerdas alguna otra que se me pasé.... deja un comentario!!!!!!!

1. Estabamos tomandonos un descanso!!!!!!

La mítica frase de Ross cuando engañó a Rachel con la chica de las fotocopias.

Cuando algún amigo rompe con su pareja yo me lo pregunto, ¿romperán o se tomarán un descanso? 

2. Mis ojos!!!! Mis ojos!!!!!!!

Phoebbe cuando vio por la ventana del apartamento nuevo de Ross a Chandler y Monica montándoselo.

Yo cuando veo algo desagradable lo digo.

3. Es su media langosta.

Phoebbe nos explicó que las langostas son monógamas, y cuando encuentran a su pareja perfecta ya no se separan, pasean cogidas de las pinzas.

¿Alguién ha vuelto ha usar el concepto "media naranja" después de esto?, yo no!!!!!!

4. Un chicle sería la perfección

Cuando Chandler se queda encerrado en el cajero con una super modelo y ella le ofrece un chicle, es lo que él le responde.

A veces un chicle es la perfección!!!!!!

5. Oh... Dios... mío!!!!!!

Imposible olvidarnos de Janice y su aguda y molesta voz.

Queda genial cuando estás sorprendido!!!!!!!!

6. Girarlo, girarlo!!!!!

Ross en uno de sus peores momentos... dando indicaciones para subir un enorme sofá por la escalera.

¿Nunca lo habéis dicho al mover un mueble de sitio?

7. Poner un libro en el congelador

Cuando un libro que estás leyendo empieza a dar mucho miedo, o mucha pena, nada mejor que meterlo un rato en el congelador.

8. Como lo llevas?

El mítico saludo de Joey, acompañado de un leve gesto de cabeza... sensual y simpático a la vez!!!!!!

9. Joey no comparte su comida!

Es cierto. No lo hace. Y no le importa decirlo.

Cuando tu pareja quiere quitarte un trozo de algo muy rico viene muy bien!!!!!

10. El juez dice... caramelito

Cuando la gallina y el pato competían por encontrar un caramelo, el juez, Joey, tenía que determinar si lo que habían encontrado, era o no el caramelito oculto.... un trabajo muy duro.

Domingo...

El curioso mundo animal....

Menuda oruga más graciosa.... si os fijáis en el dibujo central, parece una fila de pingüinos!!!!!!

Fotos Curiosas

1920: midiendo trajes de baño. Si eran demasiado cortos, las mujeres podían ser multadas.

Frases de Cine: Una terapia peligrosa

"Por cierto, si hablando con usted me convierto en marica, le mataré".

Robert de Niro cómo Paul Vitti, en UNA TERAPIA PELIGROSA

Unificación

Unifica en ti
mis dispersiones.

Apaga mis seducciones
que me precipitan al vacío.

Disuelve mis miedos
que me paralizan en la muerte.

Fija mi deseo
sólo en ti.

Acoge en tu descanso
lo que soy y lo que fui.

Benjamín G. Buelta

Mis clásicos favoritos: Perdición

Perdición es una película de cine negro dirigida en 1944 por Billy Wilder, con Fred MacMurray, Barbara Stanwyck y Edward G. Robinson como actores principales.

El guión es una adaptación de Billy Wilder y Raymond Chandler de la novela Pacto de sangre (cuyo título original era Double Indemnity), del escritor James M. Cain.

En la secuencia de apertura, se muestra una oscura y lluviosa calle de Los Ángeles, de madrugada. Un automóvil se salta un semáforo en rojo y está a punto de chocar con una camioneta. El coche se detiene finalmente frente a un edificio de oficinas, y de él sale, moviéndose con cierta dificultad, el vendedor de seguros Walter Neff (Fred MacMurray).

Cuando consigue llegar a su despacho, se sienta en su mesa, enciende un cigarrillo y coloca un cilindro en su dictáfono, en el que comienza a grabar un memorándum interno dirigido a su compañero de trabajo, Barton Keyes (Edward G. Robinson). Neff confiesa ser el asesino de Dietrichson, supuestamente muerto en un accidente, y haber estafado a su propia compañía. Y explica por qué lo hizo: "Lo maté por dinero y por una mujer. Ni conseguí el dinero, ni la mujer. Estupendo, ¿verdad?".

La narración de Neff inicia el flashback, que retrotrae al espectador al pasado mes de mayo, cuando Neff, de paso por Glendale, visitó la casa de la familia Dietrichson para conseguir que el señor Dietrichson renovase el seguro de sus dos automóviles. Dietrichson no está, pero Neff encuentra en casa a su mujer, Phyllis (Barbara Stanwyck), que aparece en lo alto de una escalera cubierta sola con una toalla. Neff se siente atraído por la señora Dietrichson. Ella le dice que espere mientras va a vestirse. Neff y Dietrichson hablan de los seguros de los automóviles del marido de ella. Durante toda su conversación, se hace evidente que entre ambos existe una mutua atracción. Él flirtea con ella, que tiene una actitud ambigua ante los avances del agente de seguros. La voz en off de Neff evoca el olor a madreselva del perfume de Phyllis, preguntándose: "¿Cómo podía yo saber que el crimen huele a veces como la madreselva?".

Cuando se encuentran de nuevo Phyllis está sola en casa: su marido no está y es el día libre de la criada. Él coquetea de nuevo con ella, pero se marcha indignado de la casa cuando ella le sugiere la posibilidad de hacerle a su marido un seguro de accidentes sin que él lo sepa, ya que se da cuenta de que trama un asesinato. Desde allí, Neff va a tomar una cerveza y a la bolera. Cuando está de regreso en su piso se da cuenta de que no puede liberarse de la atracción que siente por Phyllis. Tocan al timbre. Es ella. Tras una breve conversación, Neff y Dietrichson se besan apasionadamente. Ya está todo dicho. A partir de ahí entran en una espiral que ninguno de los dos podrá controlar.

La película cuenta con dos partes claramente diferenciadas. La primera detalla la atracción sexual, el plan del homicidio y la posterior ejecución del crimen, mientras que la segunda narra la investigación del siniestro por parte del astuto perito de la compañía de seguros, en la que se crea con habilidad la angustia sufrida por los personajes involucrados en el crimen (en especial por parte de MacMurray) ante el temor del descubrimiento del asesinato y el consiguiente fraude.

La novela corta de James M. Cain Double Indemnity, escrita en 1935, se basaba en un crimen real, cometido en Nueva York, en marzo de 1927, por Ruth Snyder, un ama de casa de Queens, y su amante el vendedor de corsés Judd Gray. Ambos cómplices fueron detenidos debido a la torpeza con que llevaron a cabo el asesinato y murieron ejecutados en la silla eléctrica en la prisión de Sing Sing, en enero de 1928. 

El intento del autor de vender su historia para el cine fracasó entonces debido a las presiones de la Oficina Hays, encargada de la censura cinematográfica. Varios años después, en 1943, la novela se publicó de nuevo, esta vez incluida en un libro titulado Three of a Kind, junto con otras dos novelas cortas. El agente literario de James M. Cain volvió a enviar copias a los estudios de Hollywood. Esta vez, la historia llamó la atención del guionista y director Billy Wilder.

Wilder colaboraba habitualmente con el escritor Charles Brackett en la escritura de los guiones. Sin embargo, a Brackett no le interesó adaptar para la pantalla el relato de James M. Cain, que encontraba chabacano y demasiado sombrío. Wilder optó entonces por intentar conseguir al propio autor de la novela, James M. Cain, para trabajar con él en la adaptación. No fue posible debido a otros compromisos del autor. El productor Joseph Stern recomendó en su lugar a Raymond Chandler, que se había dado a conocer como autor de relatos pulp en la revista Black Mask y había publicado ya varias novelas, como El sueño eterno (1939), Adiós, muñeca (1940) y La ventana alta (1942). Chandler y Wilder empezaron a trabajar en el guion en mayo de 1943. Chandler no sabía apenas nada sobre la escritura de guiones; a pesar de eso, y de la mala relación entre él y Wilder, obtuvieron un guion excelente, que incluso contó con la aprobación del propio autor de la novela.

El guion tenía que hacer frente a las exigencias de la censura. Joseph Breen, de la Oficina Hays, presentó a la Paramount sus objeciones sobre el relato original de James M. Cain: los protagonistas burlaban la ley y no eran castigados (al final de la novela se suicidaban); además, ambos mantenían una relación adúltera, considerada inmoral; por último, su argumento explicaba cómo cometer un asesinato. Chandler y Wilder optaron por cambiar el final en su guion.

El papel del protagonista masculino de la película, el agente de seguros Walter Neff, le fue propuesto por Wilder al actor George Raft, quien se negó a interpretar a un asesino. Su siguiente elección fue Fred MacMurray, un actor de la Paramount especializado en películas musicales. A pesar de sus reticencias iniciales, terminó por aceptar. Para el papel de la protagonista femenina, Phyllis Dietrichson, escogió a Barbara Stanwyck. La actriz también tuvo sus dudas ante el desafío que para su carrera planteaba interpretar a un personaje tan odioso, pero, según ella misma recordaría varios años después, se decidió cuando Wilder apeló a su orgullo, preguntándole : "¿Eres una actriz o un ratón?" Wilder tuvo la idea de que, para mejor representar el tipo de mujer fatal que exigía el guión, Stanwyck llevase una peluca rubia.

El personaje femenino, de una frialdad ofuscadora, pasó a engrosar la lista de las mejores femme fatales que ha conocido el séptimo arte.

Visto lo visto, es una lástima que Billy Wilder no incidiera más en el cine negro, pues pocos títulos en la historia del género poseen el magnetismo de esta obra maestra.

The ghost of Tom Joad

Para empezar la semana un temazo de Bruce... The ghost of Tom Joad

Es la canción que le da el nombre a su undécimo álbum, y el sencillo se lanzó el 21 de noviembre de1995. El personaje Tom Joad, de la novela clásica de John Steinbeck "Las uvas de la ira", es mencionado en el título y a lo largo de la letra. Originalmente grabada como una calmada canción folk, fue versionada, de forma bastante más ruidosa y dura, por Rage Against The Machine. El mismo Springsteen ha tocado la canción con diferentes arreglos, con la E Street Band y con el propio Morello, de Rage Against The Machine.

Además de inspirarse en la novela, la canción también bebe de "The Ballad of Tom Joad" de Woody Guthrie, que en su parte estaba inspirada en la película de John Ford  "Las uvas de la ira". En efecto, Springsteen había leído la novela, escuchado la canción y visto la película antes de escribir "The Ghost of Tom Joad".

Springsteen se sentía identificado con el activismo social de los años 30, e intentó dar voz a los invisibles y a los ignorados, a los indigentes y a las personas que no tenían derecho a voto. Sin embargo, al igual que el resto del álbum, "The Ghost of Tom Joad" tiene lugar en la primera mitad de los 90s.

Domingo...

Felicidades Almu!!!!!!

Feliz cumple Ammu Ammu!!!!!!!

Todos los pingus te deseamos un muy feliz cumple... 

y a Cris también, pero cómo ella no entra por el blog 

pues a ti de forma muy especial!!!!!!!!!

Que pases un gran día. 

Muchos pingubesos!!!!!!!!

Fotos Curiosas

1949, maquina de auto bronceado.

Frases de Cine: Atrapado por su pasado

"Nada de favores entre amigos. Un favor puede matarte más rápido que una bala".

Al Pacino cómo Carlito Bregante, en ATRAPADO POR SU PASADO

Qué es un MacGuffin???

MacGuffin es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock que designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.

El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de vista de la audiencia, el McGuffin no es lo importante de la historia narrada.

Hitchcock afirmó en 1939: “En historias de rufianes siempre es un collar y en historias de espías siempre son los documentos”. Explica también esta expresión en el libro-entrevista con François Truffaut “El cine según Hitchcock”: “La palabra procede del music-hall. Van dos hombres en un tren y uno de ellos le dice al otro “¿Qué es ese paquete que hay en el portaequipajes sobre su cabeza?”. El otro contesta: “Ah, eso es un McGuffin”. El primero insiste: “¿Qué es un McGuffin?”, y su compañero de viaje le responde: “Un MacGuffin es un aparato para cazar leones en Escocia”. “Pero si en Escocia no hay leones”, le espeta el primer hombre. “Entonces eso de ahí no es un MacGuffin”, le responde el otro”.

Las películas de Alfred Hitchock son, lógicamente, claros ejemplos de Mcguffins, siempre con la premisa de que el protagonista es una persona común y corriente que se ve involucrado en una situación extrema por causa de algún elemento que puede no aparecer nunca en la pantalla:

- En 39 escalones, sería la fórmula secreta que recuerda el artista circense. Hubiese sido lo mismo si hubiese sido una clave de acceso a un banco, una lista de nombres de espías o cualquier otra cosa.

- En Psicosis, toda la trama inicial de una mujer huye con dinero robado se corta abruptamente antes de la media hora de metraje, al final resulta ser irrelevante en el argumento verdadero pero introduce, precisamente, a un estado de sorpresa permanente.

Otras películas donde podemos encontrar MacGuffins:

- En Frenético, un médico viaja a París con su esposa, y en el aeropuerto recogen una maleta equivocada. Cuando ésta desaparece al poco de llegar al hotel, el personaje encarnado por Harrison Ford comienza a buscarla. Por deducción se da cuenta que en el equipaje misterioso debe encontrarse el motivo de la desaparición. La "clave" resulta ser un objeto pequeño y de uso tan vago, que realmente la explicación sobre su importancia es irrelevante.

- En Quemar Después de Leer, se intenta extorsionar a un burócrata del gobierno con difundir el contenido de un CD que éste perdió, pero ese contenido no tiene la menor importancia, puede tratarse de cualquier cosa.

- En El Informe Pelícano, una estudiante es perseguida por un grupo corrupto del gobierno a raíz de un escrito suyo. Lo que parecía ser un simple trabajo de clase sobre conspiraciones para asesinatos, basado en recortes periodísticos, resulta ser absolutamente cierto, y eso pondrá en riesgo su vida. La explicaicón que se da al motivo de los asesinatos podría ser haberse intercambiado por cualquier otra.e

- En No Country for Old Men, un maletín lleno de dinero cae en manos de un hombre común, lo cual desata una andanada de violencia. El asesino que persigue al fugitivo con el maletín lleno de dinero ni siquiera está interesado en el contenido, e incluso el sheriff que intenta resolver el caos no tiene idea de qué es lo que está investigando.

- En Reservoir Dogs, cuatro criminales que sobreviven a un fallido asalto se enfrentan entre sí en un viejo almacén abandonado, al creer que hay entre ellos un traidor, nunca sabemos que es lo que roban ni donde lo roban.

- En El Halcón Maltés, el protagonista investiga la muerte de un amigo, que lo sumerge en un caso de dobles traiciones que giran alrededor de un halcón de oro cubierto de barniz para disimular su valor. Pese a que el objeto pasa de mano en mano, no es difícil darse cuenta de que cualquier otra joya hubiera servido para hacer actuar a los muchos involucrados. Incluso al final de la película, el objeto queda, ignorado su valor, encima de un estante.

- En Los tres días del cóndor, el personaje interpretado por Robert Redford es perseguido a muerte por algo de lo cual no tiene ni idea. Al final se trata de un informe que escribió, salido de su propia imaginación literaria.

- En Ciudadano Kane, de Orson Welles, al comienzo de la cinta, Kane en su lecho de muerte pronuncia una misteriosa palabra, Rosebud, la cual nadie sabe a que se refiere, y a partir de ese misterio se recrea la vida completa de Kane. Finalmente descubrimos que Rosebud era el nombre de su trineo cuando era niño, lo cual no tiene una relevancia mayor en la trama pero sirve de hilo conductor de la misma. Rosebud ha pasado a considerarse uno de los MacGuffin más importantes de la historia del cine.

- En Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, el contenido del maletín que deben recuperar Vincent Vega y Jules Winnfield para su jefe, Marsellus Wallace, nunca es revelado.

- En Ronin, varios mercenarios y ex soldados de las fuerzas especiales, son contratados para robar un misterioso maletín. Nunca se da a conocer el contenido del mismo.

- En Misión Imposible 3, a lo largo de toda la película buscan La Pata de Conejo. Al final se abre el maletín, que contiene un arma bioquímica, pero es del todo irrelevante en el argumento.

Mis clásicos favoritos: Gilda

Gilda es una película de 1946 dirigida por Charles Vidor que contó con Rita Hayworth y Glenn Ford como actores principales. 

La película nos cuenta la historia de Johnny Farrell (Glenn Ford), un jugador norteamericano de poca monta que acaba de llegar a Buenos Aires (Argentina) y es rescatado de un tiroteo por Ballin Mundson (George Macready), el propietario de un casino que decide darle trabajo y acaba convirtiéndole en su mano derecha. Cuando éste regresa de un viaje casado con Gilda (Rita Hayworth), una antigua amante de Johnny a la que acabó odiando, todo se complica. Y más aún cuando, de repente, Mundson desaparece.

La banda sonora contiene canciones como Amado mío o Put the Blame on Mame, que Rita Hayworth escenifica en playback y cuya voz real corresponde a Anita Ellis.

Al interpretar la segunda de dichas canciones, el personaje de Gilda se quita sensualmente un guante; esta escena causó sensación en su momento y motivó que el filme fuese prohibido en varios países, entre ellos España. En la película, tras dicho striptease se produce otro momento que se hizo igualmente célebre: el personaje de Glenn Ford abofetea a Gilda. Políticamente incorrecta en nuestros días, esta escena, junto con la previa del guante se ha convertido en todo un icono.

El guión es agudo e ingenioso, y la trama de cine negro, con mujer fatal, atrapa enseguida al espectador.

En el Festival de San Sebastián de 1987 Glenn Ford recibió el premio Donosti a su carrera, y eligió que, de entre todas sus películas, se proyectara Gilda para el homenaje.

Más allá de su valor estrictamente artístico, este drama pasional se ha convertido en un icono de la historia del cine. La década de los cuarenta puede que nos dejara películas mejores, pero el simbolismo y estética de "Gilda" la convirtieron, todavía hoy, en una obra imprescindible.

Frases memorables de Gilda:

- No sabes lo leal y fiel que puedo ser por un salario (Johnny)

- Si fuera un rancho me llamaría "Tierra de Nadie" (Gilda)

- Soy una mujer fatal cómo fatal es mi sino (Gilda)

Put the blame on Mame

Buena semana para todos!!!!!

 

El día de Star Wars

Hoy es el Día de Star Wars (Star Wars Day)

Esta festividad no proviene de las enseñanzas del maestro Yoda, ni de ningún aniversario relacionado con el estreno de alguna de las películas, si no que es un día cuya fonética lo convierte en especial.

En inglés hoy es: "May the fourth" (4 de Mayo)

Que suena casi igual que: "May the force" (que la fuerza...)

Y por eso hoy es el día de Star Wars.... así que...... 

Que la fuerza te acompañe!!!!!!!!!!!!

Sí..... sé que soy friki.... y me encanta!!!!!!!!!!

El futuro

Y sé muy bien que no estarás.
No estarás en la calle
en el murmullo que brota de la noche,
de los postes de alumbrado,
ni en el gesto de elegir el menú,
ni en la sonrisa que alivia los completos en los subtes,
ni en los libros prestados,
ni en el hasta mañana.
No estarás en mis sueños,
en el destino original de mis palabras,
ni en una cifra telefónica estarás
o en el color de un par de guantes,
o una blusa.
Me enojaré
amor mío
sin que sea por ti,
y compraré bombones
pero no para ti,
me pararé en la esquina
a la que no vendrás
y diré las cosas que sé decir
y comeré las cosas que sé comer
y soñaré los sueños que se sueñan.
Y sé muy bien que no estarás
ni aquí dentro de la cárcel donde te retengo
ni allí afuera,
ese río de calles y de puentes.
No estarás para nada
no serás mi recuerdo
y cuando piense en ti
pensaré un pensamiento
que oscuramente trata de acordarse de ti.

Julio Cortázar

Fotos Curiosas

Construcción del Muro de Berlin, 1961.

Frases de Cine: Casablanca

Muchas de las líneas del guión de Casablanca han quedado grabadas para siempre en los cinéfilos de todo el mundo. Entre estas podemos contar las siguientes:

"Esta va por ti, muñeca" ("Here's looking at you, kid", en inglés). Se trata de una frase que Rick le dice a Ilsa y no se encontraba en los guiones preliminares. Su aparición en la película ha sido atribuida a las lecciones de póquer que Bogart le daba a Bergman entre toma y toma.
Esta frase fue elegida por expertos estadounidenses como la quinta frase más memorable en la historia del cine en una encuesta realizada en el 2005 por el American Film Institute.

En total seis frases de esta película, según dicho Instituto, aparecen en sus listas como las líneas de cine más citadas en Estados Unidos.

 

Las otras citas que aparecen en la lista son:
«Louis, creo que este es el principio de una gran amistad»
«Tócala, Sam. Toca "el tiempo pasará"»
«Detengan a los sospechosos habituales»
«Siempre nos quedará París»
«De todos los bares en todos los pueblos de todo el mundo, ella entra en el mío»

La frase: «Tócala otra vez, Sam» es una de las frases más ampliamente asociadas con la película y, sin embargo, se trata en realidad de una cita errónea, la cual es en realidad el título original de la película "Sueños de un seductor", de Woody Allen. 

En Casablanca, estando Ilsa por primera vez en el café, se da cuenta de que allí está Sam, el pianista, y le pide: «Tócala una vez, Sam, en recuerdo de los viejos tiempos». Entonces él finge ignorarla y ella le ordena «Tócala, Sam. Toca "El tiempo pasará"». Más tarde esa misma noche, al estar Rick y Sam solos, Rick le solicita que la vuelva a tocar: «Tú la tocaste para ella y la puedes tocar para mí» y «si ella puede soportarla, ¡yo también puedo! Tócala! ».